A diez años de su
partida y en los preámbulos de la celebración por los 200 años de una República
construida sobre los cimientos de ancestrales civilizaciones, que aún deben ser
debidamente estudiadas y comprendidas, la Galería Delbarrio tiene el agrado de
presentar “Operación Ayar, la xilografía de Julio Camino Sánchez (Trujillo 1914
– Lima 2007), sugerente título para invitarnos a la reflexión sobre los aportes
de Julio Camino Sánchez en la tarea de la valoración de nuestra identidad y la
integración de nuestros pueblos.
El dúo curatorial
conformado por Gabriela Tineo Sanguinetti y Javier Rodríguez Canales, ha
seleccionado un aproximado de 60 obras del artista, entre tacos originales y
xilografías en papel, de diferentes épocas y estilos, que nos permiten conocer
un poco más de este notable grabador peruano que vivió y retrató casi todo el
siglo XX. En el recorrido podremos encontrar una impresionante serie no
figurativa del año ’46, alegorías del arte pre hispánico, documentación del
arte popular y del costumbrismo norteño, obras abstractas, así como la
emblemática serie Operación Ayar del año ’69 que le da nombre a esta muestra y al
libro homónimo, pronto a publicarse, gracias al apoyo de la Universidad San
Pablo de Arequipa.
Julio Camino Sánchez,
además de ser un peruanista y un reconocido embajador de nuestra cultura, era un profesional del arte, disciplinado,
ordenado, constante, apasionado y prolijo, un hombre de pocas palabras que siempre
quiso que su obra ‘hable por sí misma’. El equipo curatorial ha dado acuse de
recibo, aceptando un poco extemporáneamente, la invitación a descubrir el
lenguaje oculto en el universo iconográfico de la obra xilográfica de JCS.
A lo largo de su vida,
Camino Sánchez elabora una serie de carpetas xilográficas dedicadas a la
imaginería de Ayacucho, a las Iglesias de Quinua, a los Mates Burilados de
Junín, a los Toros de Santiago de Pupuja,a las máscaras de diferentes danzas típicas y al arte precolombino de la
costa norte. Estas carpetas representan una rica contribución a la
documentación de su entorno natural y de las principales manifestaciones de
arte popular producidas en los departamentos de Junín, Cajamarca, Cusco, Puno,
Ayacucho y su natal Moche. Una de las series, trabajada hacia finales de la
década de los años ‘60, lleva el nombre
de “Operación Ayar”, aquí encontramos que el artista ha utilizado algunos de
sus tacos (matrices xilográficas) de la década de los años ’40 e incluso de los
’30, en composiciones audaces, de mayor dimensión, incorporando colores fuertes
y cargados y utilizando la misma veta de la madera para crear efectos y
texturas. “Operación Ayar” es indudablemente una de las carpetas más
interesantes del artista.
Camino Sánchez era un
observador entrenado, una persona sobria como los paisajes que dibujaba, de
pocas palabras y de un gusto particular por la poesía, que se manifiesta en la
elección de quienes prologaron sus carpetas (Cecilia Bustamante, Luis Fabio
Xammar, Antenor Orrego entre otros).
Con esta muestra
queremos poner en conocimiento de las actuales generaciones, no solamente la
obra de este poco conocido grabador peruano, sino también ofrecer una
interpretación de su trabajo desde en una perspectiva más amplia, una lectura
peruanista que trasciende la etiqueta de indigenista que en algún momento se le
atribuyó, tal como en su momento lo señalaron intelectuales de la talla de José
Eulogio Garrido.
Gabriela Tineo Sanguinetti
Javier Rodríguez Canales
Curadores de la muestra
RESEÑA
BIOGRÁFICA
Nació en Trujillo en
1914 y falleció en la ciudad de Lima en el año 2007. Dibujante, pintor y
grabador, se inició en el mundo del arte siendo autodidacta desde muy joven.
Complementó su notable habilidad natural para la experimentación estudiando en
la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, dirigida en ese entonces por José
Sabogal.
La mayor parte de su
obra se concentró en la técnica de la xilografía, realizando series de gran
calidad a lo largo de muchos años. Fue premiado en el Salón Internacional de
Bellas Artes de Valparaíso del año 1939 y en el IV Salón de Grabado del
Instituto Cultural Peruano Norte- americano (ICPNA) de 1968.
Se desempeñó como docente
de arte en diversas escuelas y realizó una importante proyección social a
través de la ¨Caravana Pedagógica de la Pintura¨, iniciativa a través de la
cual contribuyó con la formación humana de muchos estudiantes de zonas
deprimidas de la capital peruana.
Su obra ha sido expuesta
en el Perú, así como en el extranjero (Argentina, Brasil, Ecuador, El Salvador,
México, España, Bélgica, Suecia y Japón), siendo de especial importancia su
participación en la VIII Bienal de Sao Paolo, la IV Bienal internacional del
Tokio y en XILON IV Internacional de Grabados de Bruselas y Estocolmo.
TEXTO CURATORIAL
La modernidad fue el
modelo cultural que inspiró buena parte del arte del siglo XX y el Perú no fue
ajeno a dicha influencia. Julio Camino Sánchez fue un artista que vivió la
transición del indigenismo a la abstracción de los 50.
A lo largo de su vida,
Camino Sánchez elabora carpetas xilográficas dedicadas a la imaginería de
Ayacucho, a las Iglesias de Quinua, a los Mates Burilados de Junín, a los Toros
de Santiago de Pupuja,a las máscaras de
diferentes danzas típicas y al arte precolombino. Estas carpetas representan
una rica contribución a la documentación de su entorno natural y de las
manifestaciones del arte popular peruano. Una de las series del año 69lleva el nombre de “Operación Ayar”, aquí
encontramos que el artista utiliza algunos de sus tacos anteriores en
composiciones más audaces, incorporando colores fuertes y utilizando la misma
veta de la madera para crear efectos y texturas. “Operación Ayar”, nombre que alude
a la tarea cultural pendiente en el Perú, es indudablemente una de sus carpetas
más interesantes.
Se han seleccionado obras
de diferentes épocas y estilos, que nos permiten conocer la versatilidad de
este notable grabador. En el recorrido encontraremos una impresionante serie no
figurativa del año ’46, alegorías del arte pre hispánico, documentación del
arte popular y del costumbrismo norteño, obras abstractas, así como la
emblemática serie “Operación Ayar” que le da nombre a esta muestra.
Esta selección presenta
un panorama global de la xilografía de Julio Camino Sánchez, señala sus
características más importantes, su relación con el arte precolombino y con el
arte abstracto del siglo XX y plantea que sus principales aportes para la plástica
nacional están puestos en la reflexión estética formal para una propuesta de
arte peruano contemporáneo.
Si bien es cierto que
Julio Camino Sánchez es un artista multifacético, que se desarrolló también en
la pintura, es en la xilografía donde encuentra un espacio seguro y amigable para, a través de
la experimentación estética, sugerir las bases de una peruanidad contemporánea
y una nueva cosmovisión.
La Galería Delbarrio celebra 7 años de existencia en el marco de la 5ta Bienal Internacional de grabado del ICPNA, y se complace en presentar las siguientes exposiciones de grabado: en las salas principales se mostrará “Una parte del Camino”, xilografías y tacos originales, obras seleccionadas de colecciones privadas comprendidas en las décadas de los años 40´s y 60´s del notable grabador trujillano Julio Camino Sánchez (JCS).
En la Sala Verde se presenta Julio Garay Terrazas con cinco piezas en gofrado sobre cartulina blanca inspiradas en el arte peruano precolombino, llama la atención el díptico de la cabeza clava de Chavín, de frente y de perfil, que sin palabras, alude a la calidad de “reo” del tiempo y del olvido, que ostenta gran parte de nuestro inmenso acervo cultural.
La muestra se inaugura el viernes 16 de setiembre a las 8pm y permanecerá en exhibición hasta el domingo 30 de octubre.
Una parte del Camino
Xilografías y tacos originales de
Julio Camino Sánchez (Trujillo 1914 – Lima 2007)
Obra de la década de los años 40´s y ‘60´s
“Julio Camino Sánchez es trujillano, de los intramuros de Trujillo, nacido dentro del viejo y plástico cogollo de la ciudad antigua. Es cronológica y numéricamente uno de los pocos artistas de oriundez concretamente trujillana (José Eulogio Garrido)”. Muy precozmente y de forma autodidacta agarró el lápiz para dibujar su entorno, la costa de Huanchaco, sus gentes y los paisajes desnudos y terrosos de las serranías aledañas. A los 12 años emprendió la tarea con las acuarelas, para pasar luego a la xilografía, técnica que aprendió también por cuenta propia, tallando sus tacos sobre maderos de cajones para manzanas y gubias fabricadas por él mismo con clavos afilados.
Durante la década de los años ’30, estos grabados ilustrarían varios de los artículos del diario La Industria de Trujillo, donde trabajaba junto a su padre. En el año 1934, con 20 años de edad y aun siendo autodidacta, presentó su primera individual en el Convento de San Francisco en Trujillo, gracias a su performance en esta muestra obtuvo una beca para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Lima del ’36 al ‘42.
Fue el escritor y periodista José Eulogio Garrido (Huancabamba 1888 – Trujillo 1967) una figura importante, un apoyo y un estímulo para que JCS continuara experimentando con la plástica. En agosto de 1946 así comenta en la Industria de Trujillo una muestra realizad en el Hotel Trujillo “Camino es un artista cuajado, sobrio, dueño de sus medios de expresión, consiente de sus ser y de su estar y de su responsabilidad... esta muestra de xilografías constituye un exponente claro, fuerte equilibrado de lo que ya es Julio Camino Sánchez como artífice plástico situado dentro de la sensibilidad y la modalidad expresiva de la época … ha sabido mantenerse en una posición de serena y sincera actitud … un exponente homogéneo, de bastante vigor y brillantez. Revela ella (la exhibición) que hay en el artista tres potencialidades: mente activa, ojos claros sin falsos cristales y mano firme, hábil y tenaz. Tiene otro aspecto cualitativo, la plasmación de motivos exteriores de recio y apenas tocado autoctonismo regional, lugares y gentes campesinas y marineros de Moche y de Huanchaco, algunos ángulos del Trujillo urbano de tan bella y señera prestancia, y algunos otros pocos ángulos del Ande próximo. Entre la xilografía hay algunas que resaltan más por su riqueza plástica, por su acierto de expresión y por la rotundidad de las líneas y de las masas.”
En el año 1949 diría “Camino tiene su visión enfocada preferentemente hacia el paisaje. Y dentro de este amplio sector alucinante, al paisaje de la Costa, de la Costa nuestra, desértica y desolada… El artista ha plasmado sobria, y en veces líricamente, su visión de algunos rincones costeños; rincones desnudos de vegetación y sin protagonistas humanos, a menudo estorbantes, cuando no obsesionantes. Sólo que el trasunto, en algunos, es quizás demasiado sombrío y en otros casi con entrevero literario. Pero hay que pensar que en la Naturaleza, intrínsicamente multifacética, con frecuencia es más desconcertante, más acongojadora y más surrealista que la misma literatura; y también hay que pensar que cada hombre y más cada artista, vé el mundo de muy distinta manera.”
En Bellas Artes, JCS conoce a José Sabogal, que fue su maestro. Es importante señalar, que cuando Camino Sánchez estudió en la Escuela, ésta no contaba con un taller de grabado propiamente dicho, el taller de grabado, sería implementado posteriormente por Juan Manuel Ugarte Eléspuru en el año 1948, y JCS enseñaría en él. Cuando ingresó a la Escuela, Camino Sánchez ya dominaba la técnica de la xilografía y su obra poseía un lenguaje y un discurso propios que sintonizaron con el discurso plástico y cultural de su maestro.
Sin embargo, su interés iba más allá de retratar al indio y en gran parte de la obra de grabado realizada en la década de los años ’40 y posteriormente, se aprecia una exploración que busca una iconografía peruano contemporánea producto de la reinterpretación del arte rupestre norteño, del arte precolombino y del arte popular peruano, producto del mestizaje, pero también de sus paisajes y sus gentes.
Esta es una época importante para Camino porque se introduce promisoriamente en la escena plástica local, a través de dos propuestas, la de registro de su tiempo y su entorno y la búsqueda de una iconografía peruana contemporánea. Sin embargo, también es la época en la que entra como docente a la Escuela de Bellas Artes y simultáneamente a dictar clases de arte en los colegios “José Granda” y “Ricardo Bertín” del Rímac y el “Pedro A. Labarthe” de la Victoria, este es un aspecto poco conocido pero importante en la vida del artista, porque está convencido, debido a su propia experiencia, que la libertad que otorga el proceso creativo y el dominio técnico que confiere el oficio, son herramientas que complementan la formación humana del individuo.
No hemos hallado obras de grabado de la década de los ’50 debido probablemente a que su labor pedagógica ocupo mayoritariamente su tiempo. Además de los colegios antes mencionados, inició, en colaboración con el director del Colegio “Cristobal Colón” de Lince, José Patiño y el entonces Embajador de El Salvador en Lima, Rafael Barraza Monterrosa, una ardua campaña para la enseñanza gratuita del arte en dicho plantel, que posteriormente llevaría el nombre del Embajador.
El éxito y la acogida de esta iniciativa, dieron origen a la Caravana Pedagógica de Pintura en diferentes zonas pobres de la Lima de entonces, que buscaba aplicar la pedagogía constructiva de la pintura infantil, que permite al niño despertar sus cualidades creativas y el interés por las artes plásticas. Esta Caravana, gracias también a la colaboración de la empresa privada, pudo visitar a lo largo casi una década a diferentes zonas deprimidas de la capital, como la Ciudad de los Niños, Ciudad de Papel, el barrio de Santoyo en el Agustino, Pájaros Fruteros en Magdalena del Mar, el barrio de Pedregal bajo de San Martín de Porres, entre otros.
En esta década JCS elaboró dos cuadernos destinados a la enseñanza del dibujo en las escuelas públicas de Lima, para 1 ° y 2° de Media, uno con motivos mochicas y otro con mates burilados y otros motivos andinos, ambos prologados por el escritor e historiador Arturo Jiménez Borja, quien junto a Luis Fabio Xammar y José A. Hernández, dieran vida a la Revista 3, vocera del Movimiento Cholista en la poesía, también creado por el trio. Luis Fabio Xammar, prologaría en los años ’60 una de las carpetas de grabado de Julio Camino Sánchez con un bello texto fechado en 1946.
En la década de los años ’60, Camino Sánchez retoma su trabajo creativo y productivo y elabora una serie de carpetas xilográficas dedicadas a la imaginería de Ayacucho, a las Iglesias de Quinua, a los Mates Burilados de Junín, a los Toros de Santiago de Pupuja, a las máscaras de diferentes danzas típicas y al arte precolombino de la costa norte. Estas carpetas representan una rica contribución a la documentación de su entorno natural y de las principales manifestaciones de arte popular producidas en los departamentos de Junín, Cajamarca, Cusco, Puno, Ayacucho y su natal Moche. En el año 1964 José Eulogio Garrido comenta así las cuatro primeras carpetas elaboradas por Julio Camino Sánchez “… insufladas de aliento peruanista... A inicio del año pasado publicó un Cuaderno titulado ‘Xilografía Contemporánea en el Perú’, una corta serie de maderas de nueve grabadores peruanos, con una obra por autor, participaron Eduardo Álvarez, Pedro Azabache, Tcóti Oscar Allain, Carlos Bernasconi, Camilo Blas, Julia Codesido, Julio Camino Sánchez, Julio Pantoja y José Sabogal. El cuaderno lleva unas frases prologadas por Edgardo Pérez Luna. Pocos meses después Camino Sánchez lanzó un segundo cuaderno, con un contenido exclusivo de xilografías suyas. Se abre con unas claras y liricas palabras del escritor que fuera Luis Fabio Xammar.
Y luego se suceden 13 grabados grandes, con motivos de paisajes y gentes de las tierras costeñas de Trujillo y de las tierras resquebrajadas de Otusco. La inspiración, perdón por la palabra, es nítidamente vernacular y la ejecución, o sea la técnica, está dentro del canon que se ha creído impositivo para todo lo nativo o ‘popular’. Trazos amplios y duros, de dureza mayor que la madera que los soporta. Camino en este Cuaderno se muestra quizás con más fuerza aparente que real. Con breve intervalo publicó un nuevo Cuaderno, con once xilografías coloreadas que reproducen otros tantos ejemplares de ceramios populares del departamento de Ayacucho (iglesias campesinas las más). Se llena una hoja con frases introductivas de Manuel Ugarte Eléspuru. La ejecución es magnífica, tanto que casi importa una ‘recreación’ de los motivos, si se puede decir así, sin que resulten a la postre amenguados, sino más bien acentuados, su prístina frescura y su prístino vigor. Es un Cuaderno de difícil superación.
Finalmente, hará poquísimos meses ha aparecido el cuarto y último Cuderno, también con once xilografías coloreadas, previas palabras de Cecilia Bustamante.
El contenido es literalmente reproductivo de unos cuantos especímenes de ‘arte popular’ del Perú, con diversidad de procedencia: Ayacucho, Cajamarca, Cusco Huancayo y Pucará. Objetos de material diverso: cerámica, plata, hojalata.
La presentación de los últimos tres Cuadernos, más que discreta, es abiertamente espléndida. Como esfuerzo inicial y difusorio, casi toca los lindes de lo extraordinario. Y por eso merece Camino Sánchez elogio sin regateo. Y bien vale aconsejarle persistir en su modalidad del Tercer Cuaderno, que ha de quedar como jalón resaltante. Creome obligado, por ser observador atento de su tarea de trabajador de arte, desde su comienzo, hace más de treinta años, a expresar mi esperanza de que Julio Camino Sánchez, emplee estos años de su madurez en ahondar su vena propia y en traducirla en obra plástica intransferible, sin escarceos y sin excursiones fuera del peruanismo autentico que tiene raíz profunda y horizonte amplísimo, y por esto mismo, tiene también, simiente inequívoca de universalismo (José Eulogio Garrido, Moche, julio de 1964, La Industria de Trujillo, domingo 2 de agosto 1964)”.
En esa misma década el poeta huancaíno Antenor Samaniego en sus Poemas de Otoño, le dedica la siguiente apología lírica:
CAMINO SÁNCHEZ
Hay un eco recóndito que se ausculta a lo lejos
Hay una sucesión de paisajes de costa:
La torre blanca, el cerro, la luz, los huertos viejos,
La plaza que se asoma, la calle que se angosta …
Una pupila atenta y una mano de artista …
Y, de pronto, en la tela, se realiza el milagro …
Le proporciona el cielo topacios y amatistas
Y ondulaciones leves de mujer le da el agro …
Y los pinceles surten magníficos efectos
Sobre las telas limpias de blancor impoluto.
Los médanos emergen como senos erectos
Con el diáfano encanto de un silencio absoluto …
Surge la geometría de la ciudad monástica:
Los portones antiguos, los patios, los zaguanes …
La palma, hacia el crepúsculo, yergue su fronda elástica …
Oh campos que anduvieron mochicas y tallanes …
¿Quién es el visionario que acopia esos parajes?
Es el pintor Camino Sánchez. En su paleta,
maravillosamente se embrionan los paisajes
Con luces de cobalto, de cadmio, de violeta …
Se abrazan y confunden rectángulos y esferas.
El arenal estira su piel lechosa y suave.
Reposan los montículos cual núbiles caderas
Y algún árbol vigila, de arriba, como un ave …
El maestro detiene el tiempo y perenniza …
Las imágenes varias del litoral inmenso
Nacen en envolturas de cal y de ceniza
y se abren como pétalos de rosas sobre el lienzo.
La mano dirigida por la pasión recorre
la textura del lino y va estampando en ella
la gracia de la china, la imagen de la torre,
o la forma del ñorbo o la luz de una estrella …
Y estremecido, en éxtasis, se queda unos instantes.
Después otro episodio y otra aventura luego.
Se dan las pinceladas gozosas, fulgurantes,
Como crepitaciones de bosque en pleno fuego.
El pintor trotamundos continúa su andanza.
Se pierde en el desierto, se diluye en la bruma.
No da tregua a sus plantas ni a sus manos descansa
y pinta y pinta y pinta con impaciencia suma.
Acuden los colores a rara brujería
y él los aprehende y plasma dándoles existencia.
El capta la materia bruta, y en poesía
nos la da, yo no sé si por magia o por ciencia …
Este es Camino Sánchez. Ahí lo tenéis, amigo,
El de toscos indios y las indias bravías,
El que pintó el maíz, la patata y el trigo
Sobre el vientre desnudo de nuestras serranías…
(Antenor Samaniego).
En 1968 Julio Camino Sánchez obtuvo el Primer Premio Adquisición en el IV Salón de Grabado del ICPNA con la obra Batan Chico (xilografía 53 x 53 cm), y contó con el jurado conformado por Juan Manuel Ugarte Eléspuru, Adolfo Winternitz, Edgardo Pérez Luna, Arturo Kubotta y Carlos Bernasconi. Posteriormente JCS sería jurado en los Salones de 1970, 1977, 1984, 1985 y 1988.
Camino Sánchez era un observador entrenado, una persona sobria como los paisajes que dibujaba, de pocas palabras y de un gusto particular por la poesía, que se manifiesta en la elección de quienes prologaron sus carpetas Cecilia Bustamante, Luis Fabio Xammar y Antenor Orrego entre otros.
Encontramos que la obra de Julio Camino Sánchez, representa no sólo el virtuosismo de quién sabe restarle a la madera trozos de su carne para liberar la forma que en ella observa el artista, con la añadida complejidad de efectuar el trabajo en espejo, para poder posteriormente imprimir el “taco” original sobre papel, representa también, un invaluable registro de un pasado reciente, que abarca casi todo el siglo XX y que no ha podido ser visto o conocido por mucha gente.
Con esta muestra queremos poner en conocimiento de las actuales generaciones no solamente el trabajo de este poco conocido grabador peruano, que registró con la técnica de la xilografía muchas de las costumbres, paisajes y arte popular de su época, también buscamos ubicarlo en la línea del tiempo junto a otros referentes con los que compartió la escena artística e intelectual peruana, para interpretarlo desde en una perspectiva más amplia.
En una entrevista aparecida el 4 de agosto de 2005 en el diario La República en ocasión de la última retrospectiva en vida de JCS a los 91 años de edad, realizada en la Sala Belisario Suárez del Museo de Sitio del Parque Reducto, el artista manifiesta “He experimentado con todas las técnicas y con todas las corrientes: el indigenismo de Sabogal, el de Vinatea Reynoso, el cubismo. En el grabado me inspiré en la escuela mexicana. También he incursionado en el pop art y la abstracción. No me considero entonces un pintor indigenista”, afirma en dicha entrevista.
A pesar de los indudables avances culturales de nuestro tiempo, existen aspectos de la identidad peruana que nos faltan resolver, se percibe un cierto “pudor” en abordar la “cuestión”. Racismo, clasismo, machismo y otros ismos son todos herencia de una historia nacional no resuelta, no son fantasmas, sino realidades que viven con nosotros día a día, y se transportan en costosos autos, en el metropolitano, el tren eléctrico o van a pie.
El indigenismo fue un hito en el largo y tortuoso proceso de construcción de un discurso nacional que integre nuestra pluralidad, que intentó equilibrar la balanza de nuestra mal aspectada realidad de inicios del siglo pasado, pero que resultó insuficiente, entre otras cosas porque no representaba nuestra enorme diversidad. En el actual estadio de dicho proceso sería saludable comenzar a hablar de peruanidad, despercudiendo el término de conceptos obsoletos y limitadores, porque hablar de peruanidad hoy, implica hablar de integración y horizontalidad, un paradigma diferente al empleado actualmente, más relacionado con la verticalidad y la jerarquización, y esto resulta reparador, en el más amplio sentido de la palabra.
Este creo era el interés y la búsqueda de JCS, muchos periodistas de su época le atribuyeron el título de peruanista, en su natal Trujillo nunca fue señalado como indigenista. Raúl Rosales hijo del pintor boliviano del mismo nombre radicado en Lima, decía “el Perú será un mejor lugar cuando todos seamos peruanos y dejemos de ser cholos, indios, mestizos, mulatos, chunchos y serranos”, las etiquetas dividen y reclaman adeptos. Llevamos así casi cinco siglos, tal vez sea el caso de sintonizar con el periodista peruano Javier Lizarzaburu (Lima Milenaria) entre otros que proponen cambiar nuestros paradigmas a este respecto y modificar la Hoja de Ruta hacia nuestra integración, optando por dejar atrás la Independencia, que nos transporta directamente a dar vueltas en el círculo muy vicioso de nuestro pasado, contaminado de injusticias, oprobios, lamentos y segregación para celebrar en este Bicentenario, 200 años de República y mirar hacia adelante, aceptando, reconociendo, valorando y entendiendo nuestro pasado y el proceso que nos ha traído hasta hoy, para pensar en el mañana.
Reconocimientos
A lo largo de su vida Camino Sánchez recibió incontables premios y distinciones, representó al Perú en numerosas Bienales Internacionales de grabado, como Madrid, Venecia, Tokio, San Juan de Puerto Rico, Sao Paulo entre otras. Obtuvo, el Primer Premio en el Salón Internacional del Grabado de Valparaíso - Chile, 1939; el Primer Premio Municipalidad de Lima, 1942; Medalla de Plata y Diploma de la Municipalidad de La Victoria, por su labor artística, 1947; Medalla de Oro ANEA, 1963; Tercer Premio Grabado ICPNA, 1967; Primer Premio de Grabado ICPNA, 1968; Medalla y Diploma por sus 65 años de labor docente y artística, Municipalidad de Lince, 2000. El acervo de Drawings & Prints del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, cuenta con una xilografía suya del año 1967, denominada Vindivil.
Gabriela Tineo Sanguinetti
Directora
Galería Delbarrio
Chorrillos, 6 de setiembre de 2016.
Hoy jueves 1 de setiembre a las 7pm habrá una visita guiada a cargo del artsita Yayo López de la exposición de fotografía "Belleza Peruana" en la galería. No te lo pierdas!
La Galería Delbarrio inaugura, el jueves 11 de
agosto a las 8pm, la muestra individual de fotografía “Belleza Peruana”
del artista visual Yayo López, bajo la curaduría de Jorge Villacorta.
Yayo López (Lima, 1965) es fotógrafo, periodista, comunicador y artista visual.
Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima,
Fotografía en la ciudad de Buenos Aires y un Postgrado de
Foto-periodismo en la Universidad Autónoma de Barcelona.
Yayo
es un fotógrafo que ha trabajado en publicidad y fotografía de modas
durante muchos años, después de haber sido fotógrafo y editor gráfico de
la Revista Somos del diario El Comercio. Desde el principio tuvo una
óptica distinta en torno a las mujeres que salen en la
publicidad local, menos convencional y más inclusiva.
El resultado de
este enfoque lo ha llevado a retratar mujeres durante sus viajes por el
país, encontrando ejemplos de la belleza peruana en su esencia,
encuentros en su mayoría casuales que han descubierto a mujeres
empoderadas en diversos ámbitos sociales de la selva, sierra y costa
peruana (dirigentes, profesionales, líderes y personas que emergen del
anonimato gracias a su talento y carisma).
En palabras de
Villacorta esta muestra responde a “… la elección de Yayo de
diversificar la noción de atractivo femenino que se tiene a través de
las páginas de los medios impresos, de la televisión y del cine, de
eventos y desfiles. Conozco el trabajo de Yayo desde 1994 y he
seguido muy de cerca lo que ha publicado incluso en los periodos en que
no hemos tenido trato. He observado la conexión de Yayo con mujeres en
cuya presencia se ve tocado por la manifestación de encanto y dignidad
personales que ellas irradian. Creo que esa sensibilidad de Yayo ha
impulsado y alimentado su deseo de retratar para redefinir belleza
femenina entre nosotros: alcanzar la comprensión de una belleza que no
sea la admirable perfección y simetría de rostros y cuerpos que se
amoldan a la matriz igualadora de una juventud aparentemente dorada. La
belleza como un vital encanto que ilumina lo físico desde el carácter de
la mujer en cuestión, y que tiene que ver con la respuesta de ella a la
existencia a partir de su ubicación en la pluralidad cultural y étnica
de nuestro país.”
La muestra va del 11 de agosto al domingo 4 de setiembre de 2016.
Inauguración, jueves 3 de diciembre de 2015,20:00h
del 3 de diciembre al 3 de enero 2016
La Galería Delbarrio tiene el
agrado de invitarte el jueves 3 de diciembre a las 8pm a la inauguración de la muestra
individual QHOA, Esculturas y pinturas de Mario SILVA, que va del jueves 3 de
diciembre al domingo 3 de enero de 2016.
En una realidad donde el humano
experimentala naturaleza como un lugar
distante a él, la relación entre el felino y el agua, puede no ser familiar.
Sin embargo, para sociedades, conocedoras y conscientes de su lugar en un
ecosistema determinado, esta relación es de larga data.
En este contexto, el agua cumple
un ciclo natural que halla su explicación en la confluencia de conocimientos
prácticos y saberes míticos. Es ahí donde tiene lugar la presencia de Qhoa,
felino sobrenatural que rige las precipitaciones y los fenómenos atmosféricos
asociados.
El mito de Qhoa fue registrado a
principios del siglo XX, sin embargo, la evidencia arqueológica registra la
imagen del felino vinculado al agua desde tiempos prehispánicos. La presencia
de Qhoa se advierte hasta la actualidad a través de celebraciones que siguen
validando la fuerza del felino sobrenatural que transita entre las nubes
controlando las lluvias, arrojando granizo y exponiendo el arco iris.
Carolina Jiménez Alcedo
Mario Silva estudió arte en la Universidad de Colorado en Boulder.Ha participado en numerosas exposiciones
colectivas y QHOA es su octava exposición individual. Ha publicado dos libros,
en el 2006 “Lords, Pyramids and Replicas” y en el 2013, siempre a través de su
sello editorial Mallqui Books publicó “Altares de Camino”. Su obra está
incluida en la colección del International Center of Photography en Nueva York
y el Outdoor Museum en Colorado.
Hace 59 años, un soleado lunes del mes de junio nace en la ciudad de Lima, Manuel Zavala.
Por eso Zavala lleva el Sol adentro, su obra lo pone de manifiesto y su obra habla del Perú, ese territorio contrastante, diverso y plural, concepto en cuya vastedad solemos perdernos o aislarnos, sobre todo cuando nos adentramos en los derroteros de la razón buscando un concepto de identidad nacional que defina tanta pluralidad, ardua labor. Pero ante la disyuntiva el artista toma un atajo, su espátula la garrocha con la que se salta la vaya de la razón para apelar a la emoción en la experiencia personal, única y trascendental del espectador en contacto con su obra.
Manuel Zavala de mirada sonriente, curiosa, adivinadora, voz afable y modos suaves, es un poeta del color, que en lugar de una pluma empuña una espátula, artilugio que domina plenamente, desde su base, hasta su punta pasando por sus bordes para plasmar en sus lienzos con fina maestría, los antojos de su corazón, antojadizo corazón. Ejerce diariamente su sensibilidad, respetando al prójimo, pero de respetar, respeta sobre todo las diferencias, respeto es una palabra que él asocia a Jackie Chan, de quien es amigo personal.
Reflexionar sobre el respeto a la Pachamama es la invitación que el maestro Manuel Zavala nos extiende como mensaje subliminal detrás de esta bella interpretación de Nuestra Costa, Sierra y Selva, pero es una invitación también a reflexionar sobre la herencia que nosotros recibimos de nuestros padres y aquella que como padres dejaremos a nuestros hijos, un poco menos verde, un poco más marrón y mucho más gris, sobre el lienzo, el artista se ha permitido revertir estos daños añadiendo color de una forma magistral y poética a cada piso ecológico de su propia topografía personal.
Sus modos suaves contrastan con la fuerza telúrica que nos transmiten sus obras, gracias también a la generosa textura de sus lienzos, un regalo de un ser humano a otro, un regalo que nos complace compartir con todos ustedes desde el jueves 16 de julio hasta el domingo 2 de agosto en la Galería Delbarrio.
La Galería Delbarrio tiene el agrado de invitarte el jueves 14 de mayo a las 8pm
a la inauguración de la muestra individual de pintura, grabado, collage
e instalación En canto amazónico, que va del jueves 14 al domingo 31 de
mayo de 2015.
Antonio García Castillo (Lima, 1969) es un artista
polifacético, inquieto, excéntrico y desde hace casi una década, está
totalmente entregado a la investigación de las técnicas ancestrales de
pintura orgánica de la amazonia peruana.
Esta muestra explora diferentes aspectos del universo personal del
artista a través de la pintura orgánica, el óleo, el grabado, la
intervención y la instalación. Personajes de una mitología personal,
habitantes de la selva, ícaros y abstracciones geométricas de la
iconografía Shipiba, Ashaninka, Bora y Yine, dialogan en otra lengua,
una colorida, poderosa y misteriosa lengua, que encuentra en la obra de
Antonio, un potente transmisor de emociones.
Es una necesidad casi demencial, la de sacar de su interior ese
universo personal plagado de cantos y encantos, de ícaros. Los ícaros
son cantos chamánicos que en sesiones medicinales que acompañan y
propician la mareación, producida por la ingesta de plantas sagradas,
para entrar en estados alterados de conciencia y poder ver, sin los
ojos, aspectos de nuestro inconsciente.
A través de esta muestra podremos asomarnos, hurgar, dentro de ese
universo paralelo, en el que el artista dialoga, ente cantos, con los
espíritus del bosque.
El Perú es un importante contenedor de culturas vivas amazónicas,
andinas y costeñas, poseedoras de invaluable información que durante
siglos hemos ignorado, pero que adquieren cada vez más relevancia en
ámbitos internacionales. Con esta muestra, Antonio pretende compartir su
propia visión de este mágico mundo y nos estimula a tomar consciencia
de la importancia de mantenerlo invitándonos a adentrarnos en él, ojalá,
para llegar a ver más allá de lo evidente…
La Galería Delbarrio tiene el agrado de invitarte el
jueves 9 de abril a las 8pm a la inauguración de la muestra colectiva de
grabado (serigarfía) De Cono a Cono (El arte como argamasa de cohesión
social), realizada íntegramente en el taller de grabado Cono Norte
dirigido por Liliana Ávalos y Miguel Lescano. La muestra va del jueves 9
de abril al domingo 10 de mayo de 2015.
En los tiempos
modernos que vivimos, dominados por una mecanización exasperada y la
consolidación de tecnologías orientadas más a la cantidad que a la
calidad, la función social del arte adquiere una importante dimensión y
un fuerte punto de referencia a fin de exaltar el “genio” del artista,
entendido como talento natural, libre y bizarro capaz de volar por los infinitos derroteros de su creatividad en esta Lima que bulle y se polariza.
Diversidad, heterogeneidad, variedad, pluralidad, son rasgos que
caracterizan a nuestra sociedad, tal vez por ello esta muestra colectiva
de grabado diversa, heterogénea, variada y plural habla con tantas
voces del Perú que somos, pero también del Perú que queremos ser.
Habla de interacción entre individuos de diferentes edades, orígenes,
residencias, también de comunidad, de integración, de fraternidad, de
acercamiento, de arte y de individuos. Participan 17 artistas visuales,
dos de ellos además arquitectos, un diseñador industrial y un poeta. El
artista visual y gestor cultural Miguel Lescano nos invitó el año pasado
a una “Cachangada Art” en el Taller Cono Norte que gestiona junto a
Liliana Ávalos desde hace más de 15 años para realizar un laboratorio de
serigrafía. Este encuentro, lo compartido, lo vivido y la grata calidez
de nuestros anfitriones nos inspiraron a llevar la muestra a la galería
Delbarrio.
De cono a cono, del cono norte al cono sur, viajes de ida y
vuelta, encuentros con los artistas, arroz con pollo de Liliana, Pisco
Don Godoy, vista a la Huaca Palao, una de las 16 huacas identificadas
hasta el momento en San Martín de Porres (Cono Norte) y uno de los 447
sitios arqueológicos que existen en la capital y que dialoga,
trascendentales discursos mudos con los restos de lo que alguna vez fue
Armatambo en el Cono Sur de Lima que se ve desde la galería, hablan
sobre lo que hemos hecho con esta Lima milenaria, que crece con apuros,
sobre cualquier superficie al alcance del cemento, pero también hablan
de nosotros los limeños, sobre eso no han querido soltar prenda, me han
dicho que tengo que volver a Palao, con una chelita, al tiempo y tal vez
ambas me digan algo…
Como sostiene Pereira, Lima es milenaria y
como dice Calvino "Las ciudades son un conjunto de muchas cosas:
memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como
explican todos los libros de historia de la economía, pero estos
trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras,
de deseos, de recuerdos" y para eso es necesario juntarnos, reunirnos,
poder dialogar y poder estar en desacuerdo, es decir respetarnos en
nuestras diferencias.
Artistas participantes: John Chauca,
Zonia Arauco, Rocío Rendón & Toño Núñez, Juan Luis Zegarra Queirolo,
Zoë Massey, Alvaro Chang-Say, Elio Martuccelli, Pilar Pedraza, Jorge
Miyagui, Mario Mogrovejo, Hugo Alegre, Augusto Ortiz de Zevallos,
Vladimir Ramos, Miguel Lescano y Liliana Avalos.
Para quienes se perdieron de la inauguración y aún no han podido ver la
muestra, este jueves 23 de octubre a las 7pm, los esperamos a la visita guiada en la Galería Delbarrio!!!
Programa:
- Reclama tu afiche de la exposición.
- Pide un deseo para que Sarita te lo cumpla.
- Interactúa con los artistas expositores.
- Degustación de Pisco Don Godoy.
(No necesesariamente en este orden)
El jueves 7 de agosto, la Galería Delbarrio inaugura
COLLAGE, muestra colectiva de collage en la que participan Antonio
García, Aymar Ccopacatty, Erika Váquez, Julien Grataloup, Miguel
Lescano, Oscar Alarcón y Paloma Álvarez. La muestra va del 7 al el 31 de
agosto.
El tiempo no ha reducido la vigencia del collage, la ha
incrementado, ahora reducimos, reutilizamos y reciclamos. Aymar
Ccopaccaty, artista visual norteamericano de origen aymara, reutiliza
bolsas plásticas que contaminan los ríos y las cochas del altiplano
puneño y las utiliza para recrear a su gusto el indolente escenario
ambiental en el que viven nuestras comunidades; Aymar participa con
plasticollage.
Julien Grataloup es un reconocido ilustrador
francés, que colabora con diversos medios a nivel internacional. De
carácter surrealista, su obra se inspira en el subconsciente desde donde
él selecciona las mejores piezas. Su memoria está llena de archivos con
objetos y símbolos, plumas, discos de vinilo, hombres de negocios,
sillas, oficinas, átomos, libros, puertas, conejos, sombreros ... Esta
híbrida familia se desplaza de un elemento a otro, creando una identidad
con el fin de introducir nuevos puntos de vista y cambiándola. Él da a
luz lo imaginario, un mundo extraño donde todo está codificado, donde
todo se transfigura. Julien participa con collage digital.
Paloma Álvarez es artista plástica, poeta, docente y ganadora del V
concurso nacional de pintura del BCR en el 2013. Sus alas guardan un
imaginario visual que va del elemento urbano ese que se yergue al
costado del mar de Lima, hasta el elemento rural del ande peruano, donde
todo tiene un lugar y un orden. Su obra hace uso de técnicas
tradicionales como el bordado con las que construye discursos,
incorporando el quechua, que nos invitan a reflexionar con ella en torno
al sincretismo en el que vivimos. Paloma participa con collage de
papel e hilo.
Miguel Lescano, además de artista visual es
también poeta y tal vez se deba a su fascinación por las palabras, la
necesidad de incorporarlas en su obra plástica, para complementar el
sentido que quiere darle. Palabras como amor, te amo, art, rock, poesía,
Lima, pop, suelen estar presentes en su trabajo y el collage no es la
excepción, es siempre el pretexto para seguir creando. Miguel participa
con collage en papel. Antonio García, es un alma exuberante,
inquieta, curiosa y versátil. Utiliza tan bien la pintura, como el
dibujo, la escultura o el collage textil. Su curiosidad lo llevó hace 8
años a adentrarse en lo más profundo de la selva peruana para investigar
técnicas ancestrales de pintura orgánica y dejar seducir sus sentidos
por esta atmosfera mágica y abundante. Las orquídeas que Antonio trae a
esta muestra, resumen para él ese vasto universo femenino, que
representa la capacidad generadora, dadora de vida, el inicio, la
matriz. Antonio participa con collage textil.
Erika Vásquez, es
artista, es menuda, es madre, es docente y es fuerte, le gusta
demostrarlo, por eso sus instalaciones son de grandes dimensiones, por
eso utiliza cemento, fierro y madera. En esta esta muestra ella ha
redimensionado el volumen y recrea para nosotros, esqueletos semi
urbanos, vestigios de una urbe efímera, que cambia a su gusto y antojo
constantemente.
Oscar Alarcón, llega a Lima con viento norte,
porque el viento es siempre de donde viene, y Oscar viene de Piura con
escala en Trujillo. Este viento norte es cálido y sensual como la obra
de Oscar que es invitante, seductora, muy personal y llena de
simbolismos. El recurso del collage le permite tener una gama de
imágenes y texturas, editarlas y encontrar su comportamiento más
adecuado para que funcione en el delirio correspondiente. Las
revelaciones encontradas en el papel en las representaciones gráficas,
se convierten en el vicio del vidente.
Son fragmentos que componen una obra y estas obras, una unidad que Usted está muy cordialmente invitado a apreciar.
El jueves
17 de abril de 2014, a las 8pm, la Galería Delbarrio inaugura la muestra
colectiva de tatuadores HartO Tattoo,
que reúne el trabajo de los tatuadores peruanos Stefano Alcántara, Adolfo Gutiérrez,
Danilo Mautino, Zhimpa Moreno, Pabla Munay, Miguel Orcal, Cesar Pinto, los
argentinos Marcelo Alvarez y Mauro Rodríguez y el fotógrafo Daniel Bengoa.
La
muestra se podrá visitar hasta el domingo 11 de mayo.
Antes
se pensaba que la práctica del tatuaje era de
origen euroasiático y que alrededor del año 1000 a.C migró hacia India,
China,
Japón y las islas del Pacífico. Existen referencias literarias de
tatuajes en
autores como Jenofonte, Hipócrates, Herodoto, etc. Sin embargo, se han
encontrado momias, tanto en la costa como en la sierra peruanas, que
datan de varios cientos e incluso miles de años antes, cuyo significado
se ha asociado a
ceremonias religiosas, poderes mágicos, fertilidad, rituales, etc.; con
lo cual
podríamos decir que el tatuaje es una práctica que los peruanos tenemos
“tatuada”
en nuestro registro de adn más antiguo.
Su uso moderno fue reintroducido a la sociedad
occidental por los expedicionarios ingleses dirigidos por el Capitán Cook en su
regreso de Tahiti en 1771, lo que explicaría la vinculación mítica entre
tatuajes y exploradores, que en realidad eran además, transportadores de
historias y cuentos fantásticos. Por eso regresa a nosotros como herencia de
vicios y costumbres de marinos y piratas, pasando por gesto transgresor de
promesa o seducción erótica, para convertirse muy tranquilamente casi en un
ritual moderno, ociosa necesidad de la sociedad de consumo, un mensaje ya
descifrado y sin embargo decididamente enigmático de comunicación de masas.
Desde Gauguin hasta nuestros tiempos, esta
introducción en la dermis de sustancias químicas de los más variados colores,
ha producido millones de pequeñas, grandes y medianas obras de arte, con tintes
encarnados y escarificaciones sobre cuerpos lacerados, lienzos blandos,
voluptuosos y magros, epidérmica paradoja que cubre nuestras vísceras. Duchamp solía
decir que es el espectador el que hace la obra, que la obra “es” en función del
espectador.
Por eso, mientras continúan los debates en relación
a qué es arte y qué no, nosotros nos dejamos seducir por las infinitas
posibilidades y la profunda y
vertiginosa interdependencia entre todo lo que “es”. Y como para
nosotros el tatuaje “es” y nos hace “estar”, queremos rendir un reconocimiento
a este arte que se toca y nos conecta unos a otros no sólo a través de la
mirada, sino también literalmente de la piel.
El jueves 3 de octubre la Galería Delbarrio en Chorrillos inaugura "Por qué sufrir", individual de carteles chicha del artista plástico Alinder Espada.
Vivimos una época de cambio de paradigmas, los escenarios cambian tan rápidamente que las etiquetas que colocamos a nuevas corrientes, tendencias y propuestas, se desactualizan rápidamente. Sin embargo, este no es el caso de la chicha, hija natural del sincretismo que la vino gestando durante los últimos 50 años.
Mientras que el arte en nuestro país, tiene una presencia tímida en la vida social, el arte chicha ha venido para instalarse, hacer parte de nuestra vida en esta sociedad multiétnica y pluricultural, y de la mano firme de Alinder Espada, rescatar las anónimas manifestaciones de arte popular. Por su espontáneo y colorido sentido estético, heredado de las ricas polleras andinas de la sierra central, los carteles que anuncian frases como “Tu envidia es mi progreso”, “Bala Pérdida”, “Herido pero nunca vencido”, “Engáñame pero no me dejes pecadora”, “Mañana te pago”, “La puntita no más”, “Dos más y nos vamos”, “Por qué sufrir, si un amor se va otro vendrá” han pasado de las calles y las carreteras a las galería de arte. Gabriela Tineo Directora Evento en Facebook: Exposición "Por qué sufrir" de Alinder Espada. Inauguración, Jueves 3 de octubre, 8:00pm, va hasta el 3 de noviembre. Más información en: www.del-barrio.com.
El jueves 3 de octubre la Galería Delbarrio en Chorrillos inaugura “Relatos urbanos del centro de Lima”, primera individual de pintura y grabado de Paul Rojas Salinas.
Los espacios de la ciudad de Lima guardan en sus fronteras, intimidades multitudes al límite de la realidad y de las apariencias que dan un sentido social a la historia urbana. Punto referencial donde se ubican los personajes representados en las obras del joven y talentoso artista visual PAUL ROJAS SALINAS, quien une los actores desde las particularidades de su vida cotidiana, elige territorios específicos (como por ejemplo el centro de la ciudad y/o mercados de moneda en mano), espacios críticos donde descubre una red de intensas relaciones con el entorno real y actual.
Este tránsito ritual puede ser considerado como el reino de posibilidades de interpretación del hombre, su revelación ontológica y su condición orgánica.
La experiencia vivencial del artista es factor importante en el develamiento de la obra a nuevos significados, abiertos a los sentidos del observador.
Finalmente el mensaje está resuelto en el equilibrio del conjunto, la buena distribución de las imágenes y la carga simbólica de los colores nos sitúa en la acción para salir de nuestra pasividad contemplativa en busca del entendimiento de los vínculos sociales y el respeto a la vida.
Daniel Manta Angeles
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